Évadez-vous dans l’univers fantasmagorique des films de Miyazaki. Nous voici partis sur les légendaires terres nipponnes !
Ce concert vous ouvre les portes du monde magique de Joe Hisaishi, compositeur emblématique des musiques de Princesse Mononoké, Le Château ambulant et Le Voyage de Chihiro. Laissez-vous emporter par ces mélodies inoubliables, qui ont marqué des générations et traversé les frontières. En écho à ces univers cinématographiques, les musiciens interprètent également un chef-d’œuvre du répertoire français : le lumineux Quatuor à cordes de Claude Debussy, dans une rencontre subtile entre rêve occidental et imaginaire japonais.
Quand l’été s’installe, la musique devient lumière. L’Orchestre de l’Opéra Normandie Rouen vous invite à une promenade orchestrale en douze tableaux, un voyage musical à travers les heures d’un jour imaginaire.
La tournée d’été de l’Orchestre vous embarque pour un voyage musical à travers les heures d’un jour imaginaire. Du lever du soleil avec Bizet à la nuit étoilée de Chabrier, les œuvres se succèdent comme les couleurs d’un ciel changeant. Chaminade fait tournoyer les matins en valses, Chabrier enflamme les midis, Ravel et Debussy apaisent les soirs, Offenbach berce l’attente. À la baguette, le jeune Félix Benati, étoile montante, imprime à cette promenade orchestrale un souffle sensible, léger, poétique. Une soirée tout en nuances où se mêlent la grâce des classiques et l’éclat de la jeunesse, pour faire de cette tournée d’été une fête populaire, poétique et généreuse.
Un concert pensé à hauteur d’enfant, où l’écoute, la découverte et l’interaction sont au cœur de l’expérience. Ce spectacle immersif invite les tout-petits à faire leurs premiers pas dans l’univers de la musique vivante, aux côtés de musiciennes complices et passionnées.
Dans un décor intimiste et chaleureux, trois musiciennes issues de l’Orchestre – une violoniste, une violoncelliste et une clarinettiste – donnent vie à un moment musical unique, spécialement conçu pour le jeune public. À travers une palette sonore riche et interactive mêlant musique classique, comptines traditionnelles et chansons à reprendre en chœur, elles tissent un lien vivant entre la scène et les spectateurs. À la fois ludique et poétique, ce concert offre aux enfants une porte d’entrée sensible et joyeuse vers le monde de la musique. Un moment suspendu, propice à l’éveil artistique et à l’émerveillement partagé.
Un programme pour l’histoire, de la ferveur du Chant des Marais à l’humour grinçant de Francis Blanche. Un seul mot d’ordre : résister !
Résister. Lutter pour conserver la part de lumière qui habite l’âme humaine et entretenir la flamme de la liberté dans des temps troublés. Les artistes, musiciens et chansonniers, qui peuplent ce programme ont tous essayé de vaincre le mal avec leurs armes et l’espoir fou que la musique aurait un jour raison des bombes. Pour certaines, comme le Chant des Marais, ces chansons sont devenues des cris de ralliement qui résonnaient à travers le maquis. Pour d’autres, comme Joséphine Baker et son « J’ai deux amours », la résistance s’est traduite par un engagement concret, sur le terrain. Mais tous et toutes revivent aujourd’hui, dans les voix d’Isabelle Druet, d’Arnaud Marzorati et de leurs Lunaisiens, spécialistes de la chanson historique. Car résister aujourd’hui, c’est aussi lutter contre l’oubli.
L’univers fascinant des femmes qui ont marqué l’histoire de la musique, un concert unique orchestré par Marina Chiche, violoniste et journaliste.
Elles s’appellent Lili, Amy, Hildegarde ou Rebecca et elles ont toutes en commun d’avoir été longtemps refoulées par les vagues de l’Histoire. La cause : elles sont femmes. S’inscrivant dans le grand mouvement de restauration de leur talent oublié, la violoniste Marina Chiche ressuscite ces compositrices, en remontant jusqu’au Moyen-Âge et en mettant en regard leurs œuvres avec celles des collègues masculins de leurs époques. Un voyage musical loin des clichés qui célèbre ces musiciennes qui ont, à leur époque, défié les conventions et laissé une empreinte indélébile dans le monde musical.
Le chœur du Requiem de Brahms est une humanité en marche, en quête de lumière après la tragédie. Portée par une musique à la fois puissante et consolatrice, l’œuvre invite au recueillement autant qu’à la résilience. Sacré sans être religieux, monumental sans être écrasant, ce requiem est un chant d’apaisement, une ode à la vie écrite par un homme cherchant à transcender sa propre douleur pour offrir du réconfort aux vivants. Aujourd’hui encore, il résonne avec force en chacun de nous, comme un chemin vers la sérénité. Une expérience musicale bouleversante qui nous montre la grandeur de Brahms.
Deux visions de l’âme russe en miroir : d’un côté, la passion ardente et lyrique de Tchaïkovsky, de l’autre, l’ironie mordante et tragique de Chostakovitch.
La Sérénade pour cordes de Tchaïkovsky enlace l’auditeur dans ses vagues mélodiques, tour à tour tendres et impétueuses, avant de l’emporter dans le tourbillon d’une valse noble et enivrante, aux parfums de Saint-Pétersbourg. Mais à ce rêve romantique succède un tout autre récit : avec sa Symphonie de chambre, transcription pour orchestre à cordes de son Quatuor n°8, Chostakovitch dresse un autoportrait musical hanté par un thème-signature obsédant, dont le sourire grinçant est un défi à la mort et au destin. Entre élan du cœur et regard acéré sur le monde, ce programme explore les contrastes extrêmes du génie russe, en hommage à deux monuments du répertoire.
Les cordes de l’Orchestre tissent un dialogue à travers les siècles, entre le romantisme effervescent de Mendelssohn et le regard passionné de Grieg sur l’héritage de Bach.
À seize ans à peine, Mendelssohn révolutionne la musique de chambre avec son Octuor, où il double la forme classique du quatuor pour lui insuffler une énergie symphonique inédite. La Révolution romantique est en marche, et plus d’un demi-siècle plus tard, Grieg, profondément attaché aux racines de la musique, convoque le maître baroque pour faire résonner son langage dans la fièvre moderniste de la fin du XIXe siècle. Aujourd’hui, ce dialogue intemporel reprend vie sous l’archet des musiciens, dans un programme où le romantisme se mêle à l’héritage des anciens, où le passé et le présent s’illuminent mutuellement.
Le quintette à vents de l’Orchestre embarque pour un voyage outre-Atlantique porté par la nostalgie et le souffle du Nouveau Monde.
Des mélodies tchèques empreintes de « saudade » de Dvořák, exilé loin de sa Bohême natale, aux échos d’une ballade irlandaise d’Henry Cowell, l’héritage européen imprègne cette musique américaine. Mais un souffle de modernité s’élève : lorsque la mélancolie douce-amère de Barber tisse un lien subtil entre Summer Music et Summertime, c’est tout l’esprit de Broadway et du jazz qui s’invite dans la danse. Le voyage s’achève dans un tourbillon d’énergie et de swing avec Gershwin, dont les rythmes follement syncopés et les harmonies lumineuses dessinent une Amérique vibrante, en perpétuelle réinvention.
Pour sa tournée de rentrée, l’Orchestre fait dialoguer les époques et les sensibilités, des élans classiques de Mozart et Schubert à l’éclat contemporain de Maya Brener. Un programme de contraste et de lumière.
La Symphonie concertante pour violon et alto de Mozart, chef-d’œuvre de grâce et d’équilibre, tisse un dialogue tendre et lumineux entre les solistes, tandis que la Symphonie n° 3 de Schubert, pleine d’élan et de fraîcheur, laisse déjà transparaît tout le génie mélodique du compositeur. En ouverture, la compositrice israélienne Maya Brener joue avec les textures sonores et les effets de perspective pour nous transporter dans un paysage musical en suspension. Un programme riche en contrastes, entre clarté mozartienne et énergie schubertienne, pour ouvrir la saison avec intensité et finesse.